quinta-feira, 31 de março de 2011

Não foi Dessa Vez...

Em Metro 2033 os sobreviventes de uma catástrofe nuclear vivem nos metrôs de Moscou. Pena que a história não assusta


É indiscutível que Dmitry Glukhovsky tem talento para escrever, mas me pareceu que este é um de seus primeiros livros. O livro Metro 2033 (Idem, lançado na Rússia em 2007) tem vários pontos positivos, muitos mesmo, e por isso o classifico como regular, no meu ponto de vista. Mas não posso dizer que seja mais do que isso. A história se passa 20 anos após um apocalipse nuclear, que teria ocorrido no caótico ano de 2013, e aparentemente devastou o mundo. Inúmeros russos conseguiram se proteger descendo ao subsolo, ocupando estações de metrô e seus trilhos e túneis. Os anos se passam e as estações se tornam territórios soberanos, criando alianças umas com as outras, surgindo até mesmo territórios neo-nazistas e comunistas. Tudo vai bem, mas o medo constante da radiação e dos mutantes (monstros criados a partir de pessoas e animais sobreviventes que foram transformados pelos efeitos nucleares) os impedem de sair da proteção do subterrâneo. O problema real surge quando os túneis começam a ficar infestados destes mutantes que passam a entrar no subsolo por algum lugar. É aí que a nossa história começa.

Não posso dizer que as aventuras de Artyom (que insisto em ler automaticamente com Ayrton) - personagem principal - não me divertiram e angustiaram, pois o fizeram, mas em certos momentos a história me entediou quase ao ponto de abandonar a leitura. E, infelizmente, não foi apenas uma vez. Sorte que sou determinado no quesito "terminar livros começados". Com certeza o detalhamento que o autor faz do subterrâneo é extremamente rico, com o interior das estações bem descrito e a fácil visualização dos locais (que supus seria difícil principalmente para quem não mora na Rússia), assim como a sensação de enclausuramento e claustrofobia criado por todo o subterrâneo, túneis, passagens e corredores. Mas, por outro lado, e embora eu goste imensamente de ficção apocalíptica (do contrário não compraria o livro), algumas partes caem na ridicularização pela impossibilidade da coisa, e olha que me refiro a um livro que comprei pensando falar de zumbis. O PARÁGRAFO A SEGUIR CONTÉM SPOILERS. PULE-O SE NÃO QUISER SABER!

As cenas em que a espuma tóxica radioativa ganha vida dentro de uma estação, por exemplo, e ataca as pessoas é risível, para dizer o mínimo. Enquanto lia e tentava me concentrar no perigo que os personagens viviam, era impossível não pensar no quão absurdo aquilo era e o quão ridículo soava. Sem falar que a história das estrelas do Kremlin ou do som que fazia as pessoas desmaiarem e morrerem nos túneis não têm explicação ou sentido algum, partindo até para um possível lado sobrenatural (diz-se que existem demônios nas estrelas de rubi do Kremlin e eles hipnotizam quem olhar para elas - não sei se faz parte da lenda do Kremlin mesmo, mas na história achei totalmente desconexo de todo o resto). Pô, fala sério né? Por melhor que seja a escrita em vários pontos, os pontos negativos já citados, mais as conversas pseudo-filosóficas/religiosas me irritaram imensamente. O autor parece querer inserir sempre que possível uma teoria que margeia a filosofia ou a religião e isso faz certas partes do livro parecerem auto-ajuda de quinta categoria. Uma pena, pois a história tinha tudo para ser ótima.

Soube que este livro chamado de cult (pfff, vai saber o porquê) virou um jogo com mesmo nome. Não vou opinar sobre isso visto que não joguei e nem mesmo vi o jogo, mas parece bom. Se houver oportunidade, jogarei sem dúvidas. Quanto ao motivo da nomeação como cult, acho que é devido às já citadas conversas psicológicas/religiosas/filosóficas. Acho que para algumas pessoas pode parecer de uma profundidade incomum, mas a mim não alcançou dessa forma.

Outro ponto que vale destacar, para finalizar, é que os nomes das estações são extremamente longos e confusos, embora isso não seja bem uma reclamação. Não há o que fazer a este respeito, pois é um livro russo e era o mínimo que se podia esperar. Não foi dessa vez que Glukhovsky entrou para a minha lista de autores preferidos, mas quando ele escrever outros livros, os lerei. É um autor razoável, mas que ainda não chegou lá. Mal posso esperar para quando ele chegar.

quarta-feira, 9 de março de 2011

127 Horas para o Renascimento



A diferença entre 127 Horas e o trabalho anterior de Danny Boyle, Quem Quer ser um Milionário?, é que o longa protagonizado por James Franco é um grande filme.


Se o diretor inglês Danny Boyle pisou na bola feio com Quem Quer Ser um Milionário, pelo qual ganhou o injusto reconhecimento ao fazer uma versão suja, miserável, pretenciosa e exagerada de Cidade de Deus (que aliás não venceu nenhuma de suas 4 indicações ao OSCAR, incluindo de melhor diretor), em 127 Horas (127 Hours, EUA, 2010), ele acertou na mosca.

O título auto-explicativo narra a tentativa de sobrevivência de Aaron Ralston (soberbamente interpretado por James Franco), em seu verídico acidente ao escalar uma fenda nos canyons americanos em Utah. Durante uma de suas aventuras, Aaron escorrega e seu braço direito fica preso debaixo de uma pedra de peso incalculado, levando-o a medidas desesperadas para sobreviver.

Desde o primeiro frame da empreitada de Boyle, sabemos que Aaron é um indivíduo aventureiro e naturalmente inconsequente. Ao preparar sua mala de viajens, ele esquece itens que poderiam ser fundamentais para sua sobrevivência nos cinco dias que permaneceu preso em uma fenda com uma pedra enorme prendendo seu braço. Entre eles um canivete suíço e posteriormente uma garrafa de gatorate, que viria a calhar quando a água de sua garrafa começou a se esgotar.

Para criar o ambiente claustrofóbico e introspectivo de Aaron, que gravou em sua câmera de vídeo, pensamentos que depois foram revelados aos seus parentes e amigos, Boyle abusou das características intimistas ainda mais do que quando filmou Quem Quer Ser um Milionário, pelo qual venceu o OSCAR de Melhor Filme e Diretor.

A começar pela fotografia que, em muitos momentos, utiliza ângulos próximos do rosto do protagonista e cores fortes que dão vida ao deserto de pedras americano. Algumas características da direção do inglês não são menos irritantes do que em seu trabalho anterior, como a fragmentação de imagens e a música excessivamente "hippie", e barulhenta. Mas até isso ajuda de alguma forma ao espectador entrar no consciente e no subconsciente de Aaron enquanto ele conversa com a câmera.

Após fracassadas tentativas de se desprender, Aaron começa a viajar pelos labirintos e desertos de sua mente, relembrando os momentos com sua família (com a qual ele conversa dentro da fenda), sua antiga namorada que ele visita em sonho, de duas garotas que ele encontrou no começo de sua aventura, e nos eventos que, desde seu nascimento, culminaram naquele momento.

127 Horas é uma história sobre sobrevivência. Ainda que o diretor procure fugir do ambiente claustrofóbico da caverna, a tensão vai aumentando conforme a água do reservatório de Aaron se esgota. Ainda assim, ambos, Boyle e Franco, foram capazes de aliar os momentos de tensão com humor e humanismo, característica que, embora amplamente explorada no vira-lata indiano, falhou miseravelmente e que torna-se fundamental no deserto americano.

E além da perspectiva da morte de Aaron, ou da opção que ele escolhe para salvar sua vida, o espectador se depara com um personagem incrivelmente humano e increvelmente forte (motivo, alías, para ele ter ficado preso na fenda e sem ter avisado ninguém aonde ia). E para uma angústia maior ainda, o que o espírito humano é capaz de resistir para sobreviver.

127 Horas é um filme infinitamente melhor que o trabalho vencedor de 8 OSCAR em 2008, Quem Quer Ser um Milionário, com um desempenho soberbo de James Franco, comparável ao vencedor do OSCAR de Melhor Ator, Colin Firth.

Se Aaron, em sua jornada de uma vida inteira, aguardou cada segundo, cada sopro de ar para confrontar aquela rocha no dia 26 de Abril de 2003, não foi para ele encontrar sua morte. Pois o destino de uma pessoa não pode ser medido em minutos ou horas, em eventos que duram segundos, nem nos momentos mais íntimos, secretos e felizes de sua vida. É medido pela força necessária para se sobreviver. Força que Aaron carregou consigo durante cinco dias, rumo ao seu renascimento.

segunda-feira, 7 de março de 2011

Vida longa ao R...R...Rei



Se o Discurso do Rei merece alguma coisa, é o reconhecimento da capacidade de elevar o espírito do espectador. Mas não muito mais do que isso.


Já é mais ou menos de conhecimento comum que a Academia seja fã das histórias da aristocracia britânica, como já foi visto em tantos outros filmes. O que surpreende é, além da história de superação do rei George VI, a quantidade de admiração que o filme britânico causou nos votantes da entrega do OSCAR, acima de obras naturalmente americanas e não menos interessantes, como A Rede Social e Bravura Indômita.

Afinal, já faz um tempo que um filme inglês não vence o OSCAR de melhor filme. Se bem que, Quem Quer Ser um Milionário é mais inglês do que qualquer outra coisa. Mais do que indiano, com certeza. O Discurso do Rei (The King's Speech, ING/AUS/EUA, 2010) teve uma tragetória interessante para vencer 4 estatuetas, incluindo a de melhor filme.

Suas críticas, apesar de boas, foram incomparáveis às de A Rede Social, filme de David Fincher sobre a criação do facebook e suas repercussões. Na entrega dos Globos de Ouro, ele foi massacrado pelo concorrente, vencendo um prêmio contra quatro da biografia de Mark Zuckerberg.

Mas então alguma coisa aconteceu e os deuses cineastas mudaram seu foco do moderno e eletrizante filme biográfico, para o mais clássico e muito menos eletrizante, mas também biográfico, filme do rei inglês que sofria de gagueira. Estrelado por Colin Firth, este venceu todos os prêmios de melhor ator, que já eram certos desde o começo, mas do momento em que Tom Hooper, o diretor venceu o prêmio do sindicato dos diretores, a coista toda começou a crescer de forma escalonada até a entrega do OSCAR.

Passado às beiras da segunda guerra mundial em 1934, George VI, torna-se rei da inglaterra após a abdicação de seu irmão (interpretado por Guy Pierce) que insistiu até o último momento em se casar com uma mulher divorciada, o que não é permitido pela igreja. Sendo assim, o indesejado reinado caiu nas mãos de George, que sofria de gagueira ao menor sinal de desconforto ou medo.

Em uma época em que o rádio era o principal e mais influente meio de comunicação, esse era um aspecto mais do que problemático para o homem que se encontrava às portas do maior conflito bélico da história da humanidade, e sem saber como se dirigir à nação.

Sendo assim, ele e sua esposa (Helena Bonham Carter num papel muito mais interessante do que qualquer filme de Tim Burton) procuram a ajuda de um especialista pouco ortodoxo, chamado Lionel Logue (Geoffrey Rush). E assim começa um dos relacionamentos mais inusitados e divertidos da história recente. Ou não tão recente assim.

Pelo visto deu certo. A história do rei gago e entrege ao acaso, venceu 4 OSCAR, sendo eles melhor filme, diretor, ator e roteiro original, o que em parte foi uma surpresa, já que na categoria de melhor direção, David Fincher era o favorito por quilômetros.

E de fato O Discurso do Rei é um filme muito bom. Seus diálogos e situações são divertidíssimos e o filme é uma dramédia inteligente que eleva o espírito do espectador. Aliando elementos como figurino e trilha sonora que contrapoem um ambiente opressor criado pela direção de arte e uma fotografia intimista que abusa de ângulos pouco comuns, o filme é, no conjunto da obra, uma experiência cinematográfica mais do que satisfatória.

Pena que não era para tanto.

Dentre 10 indicados ao prêmio de melhor filme, vários dos favoritos eram filmes biográficos. 127 Horas, O Discurso do Rei, O Vencedor e A Rede Social. É menos é claro que se você teve bonecos que ganharam vida, Toy Story é um filme sobre sua vida. Isso mostra que 2011 foi um ano com uma concentração maior de histórias verídicas, sobrepujando as ficcionais, como A Origem. É uma pena que dentre a história do rei gago, do lutador caído, do alpinista preso e do fundador do facebook, O Discurso do Rei, apesar de bom, não tenha sido o melhor de todos, perpetuando a fama de Academia de reacionária e ultrapassada.

sexta-feira, 25 de fevereiro de 2011

A Perfeição Enlouquecedora da Rainha dos Cisnes

"Cisne Negro" leva o espectador a uma viagem sem volta ao subconsciente alucinado de uma bailarina em busca da perfeição



Do diretor de "O Lutador", o novo filme de Darren Aronofsky, Cisne Negro (Black Swan, 2010, EUA), conta a história de Nina Sayers (a sempre talentosa Natalie Portman, que, sem dúvidas, merece o OSCAR, além de já ter ganhado o Globo de Ouro e o prêmio do SAG - Sindicato dos Atores - por este trabalho), uma bailarina que almeja a posição principal da obra O Lago dos Cisnes - a Rainha dos Cisnes, um papel que consiste na interpretação do Cisne Branco e do Cisne Negro pela mesma bailarina -, de Tchaikovsky, que está sendo refeita pela companhia de balé de que participa. Esforçada ao extremo, Nina não vê dificuldade no papel de Cisne Branco, pois possui muitas das características que definem a personagem, como sua doçura, timidez e inocência virginal; por outro lado, o papel de Cisne Negro parece ser o grande desafio para a bailarina, pois o papel é caracterizado pela sensualidade, sedução e rebeldia. Classicamente, ambos os papéis são feitos pela mesma bailarina pelo fato de que os personagens são gêmeos opostos e aí é que se encontra o primeiro empecilho para a jovem.

Reprimida pela mãe (Barbara Hershey), uma ex-bailarina frustrada que a trata como criança, sempre vigiando seus passos e sufocando-a em um mundo de infantilidade e controle, Nina começa a sentir a pressão do papel para o qual foi escolhida. Para piorar a situação, surge entre ela e Lilly (a estonteantemente fascinante e talentosa Mila Kunis) uma rivalidade sensualizada, típica de oponentes que se sentem atraídos um pelo outro, mas que são rivais por algum motivo. E essa é a questão: Lilly está sendo cogitada pelo diretor - Thomas Leroy (Vincent Cassel, que também está ótimo) - para assumir o papel de Nina caso ela não consiga se dominar e libertar o Cisne Negro que dorme dentro dela devido à repressão com que conviveu a vida toda.

À medida que os minutos vão passando e a tensão vai crescendo no espectador e na personagem de Portman, simplesmente por não saber o que é real e o que pode ser produto de sua mente, o longa fica a cada minuto mais próximo do fim, que é construído com e pela a apresentação de estreia de O Lago dos Cisnes. Por fim, chega a conclusão real da história, que o espectador já sabia, seria inesperado, eletrizante e genial. E é.

Vale notar que durante todo o longa, Aronofsky optou por mostrar mais dos que apenas a parte glamurosa do balé; optou por mostrar também as dificuldades enfrentadas pelas artistas: as unhas quebradas, o trabalho contínuo e repetitivo e a dedicação total àquilo que será apresentado talvez apenas uma porção de vezes para pouquíssimos interessados. Indubitavelmente é um trabalho belíssimo, mas que não é apreciado hoje e Aronofsky consegue mostrar isso ao som de Tchaikovsky. Vale a pena comentar também a participação ínfima, embora interessante, de Winona Ryder como Beth, a ex-bailarina principal da companhia de Nina, que tem que se aposentar devido a sua idade avançada (40 e poucos anos , se não me engano). É interessante perceber a obsessão de Nina em ser perfeita em todos os aspectos, mesmo que para isso tenha que ser outra pessoa, o que ela tenta fazer copiando Beth, a quem considera extremamente talentosa. O que ela não percebe é que ela mesma é assim: talentosa, dedicada, poderosa, imponente. Uma verdadeira rainha. Ela era a Rainha dos Cisnes o tempo todo e não sabia.

"Cisne Negro". Título original: "Black Swan". Ano: 2010. Nacionalidade: EUA. Diretor Darren Aronofsky. Roteiro de: Andres Heinz, John J. Mclaughlin, Mark Heyman. Produzido por: Arnold Messer, Brian Oliver, Mike Medavoy, Scott Franklin. Estrelando: natalie Portman, Mila Kunis, Vincent Cassel, Barbara Hershey, Winona Ryder. Música de: Clint Mansell. Duração: 107 min. Resenha escrita por: Guilherme R. Aleixo. Nota: 9,0/10.

domingo, 13 de fevereiro de 2011

Bolinho inglês - Entrega do BAFTA

Uma semana antes do OSCAR, ocorreu a entrega do prêmio BAFTA, o prêmio mais importante da inglaterra. Abaixo a lista de indicados e vencedores e alguns pensamentos a respeito.





Melhor filme



Vencedor:



O Discurso do Rei



Indicados:



Cisne Negro

A Origem

A Rede Social

Bravura Indômita

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Prêmio Alexander Korda de melhor filme inglês:



Vencedor:



O Discurso do Rei



Indicados:



127 Horas

Another Year

Four Lions

Made in Danegham

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Melhor ator:



Vencedor:



Colin Firth (O Discurso do Rei)



Indicados:



Javier Bardem (Biutiful)

Jeff Bridges (Bravura Indômita)

Jesse Einsenberg (A Rede Social)

James Franco (127 Horas)

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Melhor atriz:



Vencedora:



Natalie Portman (Cisne Negro)



Indicadas:



Annete Benning (Minhas Mães e Meu Pai)

Juliane Moore (Minhas Mães e Meu Pai)

Noomi Rapace (Os Homens que não Amavam as Mulheres)

Hailee Steinfield (Bravura Indômita)

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Melhor ator coadjuvante:



Vencedor:



Geoffrey Rush (O Discurso do Rei)



Indicados:



Chrisitan Bale (O Vencedor)

Andrew Garfield (A Rede Social)

Pete Postlethwaite (Atração Perigosa) - postumamente

Mark Ruffalo (Minhas Mães e Meu Pai)

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Melhor atriz coadjuvante:



Vencedora:



Helena Bonham Carter (O Discurso do Rei)



Indicados:



Amy Adams (O Vencedor)

Barbara Hershey (Cisne Negro)

Lesley Manville (Another Year)

Miranda Richardson (Made in Dagenham)

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Prêmio David Lean de melhor diretor:



Vencedor:



David Fincher (A Rede Social)



Indicados:



Darren Aronofsky (Cisne Negro)

Danny Boyle (127 Horas)

Tom Hooper (O Discurso do Rei)

Christopher Nolan (A Origem)

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Melhor roteiro original:



Vencedor:



O Discurso do Rei - David Seidler



Indicados:



Cisne Negro - Mark Heyman, Andres Heinz e John J. McLaughlin

O Vencedor - Scott Silver, Paul Tamasy e Eric Johnson

A Origem - Christopher Nolan

Minhas Mães e Meu Pai - Lisa Chodolenko e Stuart Blumberg

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Melhor roteiro adaptado:



Vencedor:



A Rede Social - Aaron Sorkin



Indicados:



127 Horas - Danny Boyle e Simon Beaufoy

Os Homens que Não Amavam as Mulheres - Rasmus Heisterberg e Nikolaj Arcel

Toy Story 3 - Michael Arndt

Bravura Indômita - Joel e Ethan Coen

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Melhor fotografia:



Vencedor:



Bravura Indômita - Roger Deakins



Indicados:



127 Horas - Anthony Dod Mantle e Enrique Chediak

Cisne Negro - Matthew Lebatique

A Origem - Wally Pfister

O Discurso do Rei - Danny Cohen

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Melhor montagem



Vencedor:



A Rede Social - Kirk Baxter e Angus Wall



Indicados:



127 Horas - John Harris

Cisne Negro - Andrew Weisblum

A Origem - Lee Smith

O Discurso do Rei - Tariq Anwar

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Melhor desenho de produção:



Vencedor:



A Origem - Guy Hendrix Dias, Larry Dias e Douglas A. Mowat



Indicados:



Alice no País das Maravilhas - Robert Stromberg e Karen O'Hara

Cisne Negro - Thérèse DePrez e Tora Peterson

O Discurso do Rei - Eve Stewart e Judy Farr

Bravura Indômita - Jess Gonchor e Nancy Haigh

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Melhor figurino:



Vencedor:



Alice no País das Maravilhas - Colleen Atwood



Indicados:



Cisne Negro - Amy Westcott

O Discurso do Rei - Jenny Beavan

Made in Denenham - Louise Stjernsward

Bravura Indômita - Mary Zophres

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Prêmio Anthony Anquish de melhor música:



Vencedor:



O Discurso do Rei - Alexandre Desplat



Indicados:



127 Horas - A.R. Rahman

Como Treinar o seu Dragão - John Powell

Alice no País das Maravilhas - Danny Elfman

A Origem - Hans Zimmer

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Melhor maquiagem e cabelo:



Vencedor:



Alice no País das Maravilhas



Indicados:



Cisne Negro

Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte I

O Discurso do Rei

Made in Degenham

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Melhor Som:



Vencedor:



A Origem



Indicados:



127 Horas

Cisne Negro

O Discurso do Rei

Bravura Indômita

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Melhores efeitos visuais



Vencedor:



A Origem



Indicados:



Alice no País das Maravilhas

Cisne Negro

Harry Potter e as Relíquias da Morte Parte I

Toy Story 3

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Melhor filme "estrangeiro":



Vencedor:



Os Homens que Não Amavam as Mulheres



Indicados:



Biutiful

Io Sono I'amore

Dos Homens e dos Deuses

O Segredo dos seus Olhos

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Melhor filme de animação:



Vencedor:



Toy Story 3



Indicados:



Como Treinar o seu Dragão

Meu Malvado Favorito

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PENSAMENTOS:

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A confusão se instaurou definitivamente na tempora de premiação de filmes.

O Discurso do Rei ganhou o BAFTA como já era de se esperar, e provavelmente irá ganhar o OSCAR de Melhor Filme, como já é de se esperar também. O BAFTA, como acontece quase todos os anos, voltou com gostinho de bolo inglês, mas sem a parte mesclada, pois ainda mais do que o prêmio da Academia, o prêmio inglês consegue ser ainda mais patriótico do que o Hollywoodiano.

Por exemplo: O Discurso do Rei levando 2 prêmios de melhor um filme. Um de filme inglês e outro de melhor filme do ano. Tá, isso faz sentido.

O Discurso do Rei sendo indicado a praticamente TODAS as categorias da premiação, vencendo algumas nas quais ele não era o favorito. Outros filmes ingleses, como 127 Horas e A Origem, também receberam uma cota de prêmios ou indicações.

Entretanto, O Discurso do Rei pode ter vencido nas categorias de Melhor Filme, Filme Inglês, Ator, Ator Coadjuvante (?!) e outras bilhões de indicações, mas perdeu a de Melhor Diretor, para ninguém menos que David Fincher, de A Rede Social. Ou seja, não entendi mais nada. Já faz tempo que um OSCAR premia um diretor mas não sei filme - e vice-versa. Uma das últimas vezes foi quando Aang Lee venceu o prêmio de Melhor Direção por Brokeback Mountain, mas perdeu o de melhor filme para Crash. Desde então, todos os diretores venceram o OSCAR de seus respectivos filmes (Clint Eastwood, Martin Scorcese, Katherin Bigelow, Joel e Ethan Coen, Danny Boyle e por aí vai). Difícil é acreditar que o contrário aconteça este ano, mas tudo indica que sim.

Indicações malucas incluem a vitória de Os Homens que Não Amavam as Mulheres, da Suécia, que sequer foi lembrado nos Estados Unidos, mas fez um puta sucesso na Europa.

Indicação de Melhores Efeitos Especiais para Cisne Negro e Toy Story 3. Quê?! Toy Story 3 é uma animação, pelo amor de Deus! Quanto a Cisne Negro, difícil dizer, pois ainda não vi, mas não entendi também.



Quanto ao OSCAR:



É de se esperar algo mais ou menos parecido. Se David Fincher vai levar o prêmio de Melhor Direção, não sei. Prêmios técnicos são uma incógnita, principalmente o de Melhor Fotografia. Acho que A Origem leva. Melhor Trilha Sonora não deve ficar nas mãos de Desplat. Melhor filme vai ser a mesma coisa e Geoffrey Rush provavelmente não repete a vitória de Ator Coadjuvante que deverá ser de Christian Bale.



Até o próximo domingo pra ver se eu acertei na mosca, ou falei abobrinha ;D

sábado, 12 de fevereiro de 2011

A Nova Gênesis de Evangelion


























* Atenção: para melhor compreensão da review, seria interessante ao leitor, procurar assistir a série original e seu longa metragem, The End of Evangelion.

Remake de uma das séries de anime mais importantes de todos os tempos, trancende a refilmagem e torna-se uma obra totalmente nova.


Em 1995, foi produzida pelo estúdio Gainax, a série Neon Gênesis Evangelion, um seriado de animação japonesa (anime), do gênero mecha, que constitui em robôs gigantes pilotados por seres humanos. Aliando ficção-científica com fantasia, uma trama e personagens complexos, referências religiosas, muita ação e sensualidade, a série foi um sucesso de proporções bíblicas, tornando-se indicustivelmente, uma das séries de animação de maior sucesso de todos os tempos.


A sinopse é tão complexa quanto seu desenvolvimento. Na aurora do novo milênio, um objeto desconhecido chocou-se com a Terra na região do círculo polar ártico. Acredita-se que tenha sido um meteoro, cuja explosão derreteu a calota polar, inundando a civilização, em um quase-apocalipse. Tokyo, onde a história se passa, foi destruída, sendo reconstruída outras duas vezes, até a então chamada Tokyo 3.


Quinze anos depois, a humanidade experimentou outro tipo de ameaça: criaturas gigantes de origem desconhecida, denominadas "anjos", todas aparecendo na mesma região de Tokyo 3, na tentativa de invadir as instalações da NERV, instalação governamental criada após o que foi descrito como o "Segundo Impacto". Para combater tais criaturas, robôs gigantes denominados Evangelions, foram desenvolvidos e são pilotados por 3 crianças de 14 anos, duas moças e um rapaz. São eles Rei Ayanami, Asuka Langley e o protagonista Ikari Shinji, cujo pai é o líder das operações da NERV.


A série acompanha a vida de Shinji, na casa de sua supervisora, Misato, uma jovem capitã, bonita, atraente e dada numa cerveja. Há todo um desenvolvimento entre os relacionamentos de Shinji e sua superiora, assim como suas colegas de combate, Rei e Asuka. Uma gama de novos personagens aparecem e um desenvolvimento incrivelmente complexo da trama ocorre, mostrando os segredos por trás da NERV, do pai de Shinji e do Segundo Impacto.


Entretanto, o aclamado seriado Mecha teve um sério problema de conclusão, principalmente por parte de seu criador Hideaki Anno. Subsequentemente, houveram outros dois filmes, incluindo o The End of Evangelion, que procurou proporcionar um final definitivo à série. Não foi satisfatório, e recentemente, um projeto de 4 novos filmes do Evangelion começou, com o nome de Rebuild of Evangelion.


Os dois primeiros filmes da nova série já receberam lançamento nos EUA e recentemente no Brasil. O primeiro, Evangelion 1.11 You Are (Not) Alone já está disponível em DVD no Brasil, enquanto o segundo, Evangelion 2.22 You Can (Not) Advance, aguarda lançamento que deverá ocorrer em Março.


O primeiro filme da série de remakes, acompanha os seis primeiros episódios da série original, sem muitas alterações. Apresenta as personagens principais (sendo que Asuka só será introduzida no segundo filme), o início do relacionamento entre Shinji e Misato e Shinji com Rei, e o início de sua pilotagem do EVA (Evangelion).


Uma das características mais impressionantes, tanto da série, quanto dos novos filmes, é seus personagens. Shinji é o oposto do herói dos mangás (quadrinhos japoneses). É um menino magrinho e franzinho, inseguro e com péssima auto-estima. Pilota o EVA para fazer seu pai orgulhoso, o que não dá muito certo. Rei Ayanami é uma misteriosa menina de cabelos azuis e olhos vermelhos, quieta e reprimida, encontrando dificuldades de se relacionar com outras pessoas, assim como todos os pilotos.


No fundo, é um bando de jovens complexados pilotando robôs gigantes de combate. Asuka é alemã, e compensa sua insegurança aliada com um trauma familiar grave, com uma personalidade arrogante e incisiva. No entanto, todos terão um desenvolvimento, mesmo que tardio, de suas personalidades e entrarão em conflitos no decorrer da série, entre eles e entre si mesmos.


A maior diferença do primeiro longa é seu final, que difere da transição do 6º para o 7º episódio da série original. Há então um gancho para o segundo longa metragem que, ao contrário do primeiro, é quase que inteiramente diferente da série na qual foi baseado.


Há também, uma melhora considerável no design dos robôs e principalmente dos anjos. Embora sejam essencialmente parecidos com os originais, diferem em aspectos interessantes, tendo um desenvolvimento muito mais bacana para quem é fã da série. Os longas são visualmente espetaculares, ricos em cores com uma animação digna de um filme dos estúdios Ghibli (do diretor de A Viagem de Shihiro), proporcionando muita ação, muito humor e muita sensualidade.
Dividos em durações que variam de 100 a 110 minutos, ocorre uma grande condensação dos 26 episódios da série original, sendo que muito - e eu digo, MUITO - é deixado de fora, especialmente no primeiro longa.


Com as mudanças drásticas no visual do desenho, um choque acontece. Uma das características mais interessantes em Evangelion, era o seu início bem humorado e talvez até excessivamente simplista, o que pode irritar um espectador desavisado, e seu desenvolvimento posterior, tornando-o sério, carregado e sombrio. O que não acontece em nenhum dos longas, tanto pela parte visual, quanto pelo desenvolvimento do roteiro.


Ainda que a primeira metade (principalemente) do primeiro filme seja puro pastiche, enquanto a segunda apresenta novas situações, o segundo longa é absolutamente diferente da série original em quase todos os aspectos, com a apresentação de novos personagens, troca de situações e outras coisas que é melhor não falar.


Graças a isso, Rebuild of Evangelion deixa de ser somente uma refilmagem ou mesmo um reboot de Neon Genesis Evangelion, e passa a ser algo totalmente novo. Uma obra única, quase totalmente à parte de seu predecessor.


Isso é bom? Em partes. De fato, o espectador que assistir aos filmes sem ter visto a série, se verá a parte da trama original, e a entenderá - ou não. Entretanto, não estará assistindo Neon Genesis Evangelion, mas sim uma obra diferente que só apresenta os mesmos personagens. Para quem já viu a série, isso é incrivelmente interessante, pois há uma completa mudança de foco dos longas para o seriado, especialmente no segundo filme.


Rebuild of Evangelion é melhor do que Neon Genesis Evangelion? Essa é uma pergunta simples e totalmente válida. E a resposta é igualmente simples. Não. Tanto pelo seu tamanho reduzido - o que significa um desenvolvimento menor do que uma série de 26 episódios - quanto por características presentes somente na série, e que a tornaram única.


As personalidades de Shinji, Asuka e Rei estão diferentes, o que talvez proporcione mais calor entre eles. Entretanto, seus relacionamentos só se mostraram realmente fortes e bem explorados, justamente pela ausência desse calor, mostrado na série. Há toda uma trajetória para que isso aconteça, e nos filmes não há espaço para isso, a menos que cada um tenha pelo menos 2h 30.


Evangelion é complicado e carece de compreensão para a maioria dos espectadores. Aliando discussões filosóficas, momentos de mergulho na mente dos personagens, e muito tecno-baba. Então, é bem possível que o espectador fique confuso. Assim como na série. Entretanto, no que a série falhou, o filme é capaz de mudar, especialmente com dois outros filmes em andamento para serem lançados simultaneamente em 2012.


Onde o espectador não entendeu o final de Evangelion (aliás, para quem viu o longa, assista cinco vezes e quem sabe você entenderá), Rebuild tem a chance de mudar, principalmente por que apresentará um final totalmente novo.


Para aquele que procurar um anime realista, esqueça, é melhor assistir a série e filmes de Patlabor. Evangelion mostra robôs gigantes lutando contra monstros enormes, em cidades (desabitadas, ainda bem). Tem violência, conteúdo de nudez e tensão sexual, aliados com uma trama complexa e inteligente e muita, muita ação. Ambos os filmes (especialmente o segundo), são envolventes e instigantes, qualidade que tem se tornado cada vez mais rara ultimamente. Entretanto, embora a nova gênesis da série de anime mais ousada de todos os tempos seja mais do que satisfatória, Neon Genesis Evangelion é apenas um e jamais poderá ser superado.

sexta-feira, 11 de fevereiro de 2011

Para ver com um olho só

Filme dos irmãos Coen chega badalado em com 10 Indicações ao OSCAR, mas possui mais nomes importantes do que qualidade propriamente dita.


Não é recente que os irmãos Joel e Ethan Coen são considerados a maior dupla de diretores da atualidade. Com 3 vitórias ao OSCAR de 2008, por Onde os Fracos não têm Vez, nas categorias de Melhor filme, direção e roteiro adaptado, ambos chegaram com grande festa e badalação, com o remake do clássico de John Wayne, Bravura Indômita (True Grit, EUA, 2010).

Baseado no romance homônimo de Charles Portis e no filme de 1969, dirigido por Henry Hathaway e estreloando John Wayne (que recebeu o OSCAR de melhor ator pelo papel de Reuben "Rooster" Cogburn), a nova refilmagem do clássico faroeste é estrelada por ninguém menos que o ganhador do prêmio da Academia no ano passo, Jeff Bridges, Matt Damon, Josh Brolin e a revelação adolescente Hailee Steinfield de somente 14 anos de idade.

A história gira em torno da menina Mattie Ross (Steinfield) que procura vingança pelo homem que matou seu pai. O homem em questão é Tom Chaney (Brolin), fugitivo e no fundo da lista dos menos procurados pela lei. Ela então decide contratar os esforços de "Rooster Cogburn", um federal bêbado e acabado (Bridges) que relutantemente aceita o dinheiro da menina para partir em caçada de Chaney, ao lado de um Texas Ranger chamado LaBeouf (Damon), que está na caça do criminoso há vários meses, devido ao assassinato de um deputado no Texas.

É de se esperar que com a quantidade de nomes importantes que o filme possui, especialmente o de seus diretores, que Bravura Indômita seja um dos filmes mais espetaculares do ano, já que é o segundo em número de indicações ao prêmio mais importante do cinema, atrás somente de O Discurso do Rei que possui 12 indicações, contra 10 do épico faroeste.

Entretanto, ao contrário de todas as espectativas, a travessia de Mattie e Cogburn não é metade do calibre de outros filmes dos irmãos Coen, como Fargo ou Onde os Fracos Não Têm Vez, ambos clássicos filmes sobre as atrocidades americanas.

Certamente os desempenhos são espetaculares, a começar por Jeff Bridges que providencia um papel constantemente hilário, mas cujo personagem também é extremamente poderoso e emblemático. O show fica a parte de Hailee Steinfield de 14 anos, no papel de Mattie, demonstrando extrema coragem e segurança em um papel difícil. Da mesma forma, Matt Damon e Josh Brolin estão ótimos em seus respectivos papéis.

Curiosamente, a aparição mais marcante do filme é a do ator Barry Pepper (de O Resgate do Soldado Ryan e A Conquista da Honra), como o líder da gangue de Chaney, Ned Pepper (papel que foi interpretado por Robert Duvall em '69). Isso tudo aliado a um ótimo trabalho de maquiagem, fotografia e figurino.

Então, o que há de errado em Bravura Indômita? Já que ele possui ótimas atuações, uma direção segura, um roteiro repleto de bons diálogos, um trabalho de maquiagem, figurino e fotografia impressionantes? Difícil de responder. Mas de alguma forma, o tom da obra fica um pouco fora do que deveria ter sido. A trilha sonora composta por Carter Burwell é tão onipresente como irritante, fora do conjunto e incapaz de transmitir alguma sensação, seja ela apreensão ou drama, nas cenas mais intensas de ação e violência.

Se há uma diferença muito grande entre as duas versões do filme, é quantidade de violência apresentada. Certamente a obra dos irmãos Coen é mais gráfica em termos de violência, com sequências de ação rápidas e intensas. Ela é mais uma forma de mostrar a violência como ato cotidiano e necessário daqueles que viviam em tempos difíceis no oeste americano do final do século XIV.

Entretanto, embora o filme seja impactante pela sua violência (ainda que nada comparado a outros filmes do gênero), ele peca na ausência de impacto emocional, seja ele bom ou ruim. Um final apático e a aparante falta de desenvolvimento de situações que poderiam ter sido melhor exploradas, tornam Bravura Indômita um dos mais fracos candidatos ao OSCAR de melhor filme deste ano. O que é uma tremenda decepção, dada a qualidade técnica e potencial já conhecidos pelos irmãos Coen, juntamente de um elenco espetacular.

Dessa forma, filmes como A Rede Social, O Vencedor e A Origem são muito melhor desenvolvidos em aspectos importantes de um filme dessa categoria: sua capacidade de ser marcante. Bravura Indômita não é um filme ruim, contudo. É cheio de humor, sendo muito divertido e entusiasmante em alguns momentos. Entretanto, não é o melhor filme dos irmãos Coen, não é o melhor filme dos indicados ao OSCAR e não é o melhor filme do ano. Fora isso, é diversão garantida para aqueles que não se importam com um pouquinho de sangue e tiros. Mas não deixa passar a impressão de que podia ser melhor.